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El Gran Otro | Martes 22 de Agosto de 2017

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Los diferentes universos de Jeff Roland

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Entrevistamos al artista y pintor francés Jeff Roland, cuyo arte, que emerge desde el inconsciente, representa una interacción personal entre el artista, el lienzo y el espectador. Entre lo consciente e inconsciente representados en su obra, habitan tantos universos posibles como podamos llegar a imaginar.

 Por Alejandra Santoro

Pintor autodidacta, el trabajo de Roland es caracterizado por su uso de figuras distintivas y triviales, por una yuxtaposición de símbolos opuestos que coexisten en un mismo lienzo. Sus pinturas fusionan aspectos de un estilo crudo, en carne viva, al natural, junto con la literatura contemporánea y las referencias visuales. En su obra, la civilización actúa como la parte racional y consciente que usurpa el lugar de los más primitivos pensamientos inconscientes.

  

A lo largo de tus obras expresás un constante deseo de explorar la psiquis humana, ¿qué es lo que te lleva a representar esto en tu arte?

Vivimos en un mundo que ha cambiado mucho más de lo que los individuos podemos llegar a pensar. Parece haber una unidad de pensamiento, un deseo común de volvernos un solo mundo, una sola persona. Sin embargo, si miramos un poco más de cerca, nos damos cuenta de que cada vez más guardamos nuestros sentimientos para nosotros mismos como individuos, aunque en realidad parezca que todo se ha vuelto abierto. Lo que nosotros mostramos no refleja necesariamente quienes somos. Creo que las fuerzas escondidas que gobiernan nuestras almas están silenciadas, como formas de presión no verbalizadas. La poesía, sobre todo, y todas las formas de expresión artística están aquí para abrir ventanas en esta tierra común que tenemos, en las profundidades y complejidades de lo humano. Creo que fue el poeta romano Terencio quien dijo que al ser un hombre, nada que fuese humano podría ser extraño a él mismo, y este mismo sentimiento es el que me conduce a mí. Representar a la psiquis humana no es el objetivo principal, porque la necesidad de ser un artista viene desde dentro de uno y es una indagación en sí misma. La descripción de Carl Gustav Jung acerca de los movimientos del alma ha tenido una enorme influencia en mi trabajo, y yo adhiero a su concepción acerca de que hay un subconsciente que se expresa a sí mismo a partir de símbolos y figuras arquetípicas. Tenemos un acceso muy limitado a su extensión total, el cual deberíamos conocer mejor para poder vivir nuestras vidas  plenamente y alcanzar el «punto central». Entonces, cuando aceptamos confrontar estas fuerzas e intentamos dejar que se expresen por sí mismas en el lienzo, muchísimas cosas suceden y considero esto muy interesante. Al mismo tiempo, esto crea un vínculo entre lo que experimentaron los primeros artistas de las cavernas y el artista del siglo XXI que soy yo. Somos una especie muy joven y muchos aspectos humanos no han cambiado demasiado. Mi pintura es un intento de abrir una puerta hacia afuera del Tiempo, para ver que podríamos descubrir y para mostrarlo a los ojos de los espectadores.

Hoy en día, el arte es regido y juzgado desde las reglas del arte moderno. ¿Cómo convive tu obra junto con las expectativas del arte actual? ¿Qué pensás respecto del arte moderno?

Tengo varios críticos testigos que se la pasan mucho tiempo tratando de clasificar mi pintura, pero definirla, medirla, definitivamente no es mi rol como artista, sino más bien el de un historiador de arte. No pertenezco a ninguna escuela como tal, ni he firmado ningún manifiesto. La relevancia de una pintura, de un cuerpo de trabajo, puede ser vista sólo desde cierta distancia. En nuestro mundo tan rápido y trepidante, siempre ansiamos las respuestas instantáneas y las categorizaciones. Desafortunadamente, la observación acerca de la pertinencia de tal o tales ilustraciones o artistas en lo que respecta al período o civilización no puede ser exitosa sin el paso del Tiempo.

Pero, si intentara responder a partir de todo lo que he recopilado, diría que hay muchos tipos diferentes de expectativas respecto del arte, dependiendo de quién seas… un especulador, un estudiante, un coleccionista obsesivo, un ciudadano, lo que quieras. Debemos ser cuidadosos de no confundir las tendencias con la importancia artística. Unas pocas décadas atrás, unos pocos críticos declararon que la pintura estaba muerta, que una nueva forma de arte estaba emergiendo y tomaría su lugar. Afortunadamente, esto no previno a los pintores de seguir pintando y descubrir nuevas cosas.

Muchas veces la gente es pesimista e inventa que hay un proceso continuo que no puede ser detenido así como así. Si este no fuese el caso, todavía estaríamos viviendo en las cavernas. Esta tendencia humana de desafiar las novedades nunca ha desaparecido. Habita en nuestras mentes, lista para predecir o atemorizar respecto del futuro, induciendo a creer que no hay discursos alternativos —ustedes saben muy bien respecto de esto en la Argentina—. En realidad, yo creo que somos básicamente libres, no como una opción, sino como una condición. Es nuestra bendición y nuestra maldición.

Por lo tanto, mi trabajo está atado tanto al pasado distante como al futuro del arte y actúa como un puente entre nuestra interioridad y el mundo exterior. Es moderno, porque no apunta a la mera representación de una realidad fotográfica, y es muy antiguo, ya que se relaciona con algunos de los pintores alegóricos de los siglos pasados.

Respecto del arte moderno, lo más importante a entender es que necesitamos urgentemente «vulgarizar» la educación artística, porque nadie sabe exactamente de qué está hablando. El arte moderno comenzó a principios del siglo XX hasta el año 1945 aproximadamente; las formas de arte que existen hoy en día son muy difíciles de analizar, porque sería demasiado temprano como para decidir. Lo que podríamos decir, en mi opinión, es lo siguiente: la mayoría de los artistas de relevancia han trabajado al margen de los movimientos que se describieron durante su propio tiempo. Muchas veces, han sido vistos por las instituciones como despreciables, incluso irrelevantes, y era su fe o su incontrolable urgencia por pintar lo que los hacía existir. Pero el debate sobre la categorización respecto de los artistas que se encuentran por fuera continúa en este preciso momento. Yo me considero parte de este grupo.

Una opinión final que tengo respecto del arte moderno es que ahora podemos ver que los límites de la representación han estallado con el arte moderno, e incluso, anteriormente, con los impresionistas. El arte nunca cesa de sorprender. Este aspecto de la inventiva perpetua es central para mi punto de vista del mundo, en realidad, este es el lado brillante de la naturaleza humana; pero también tenemos que lidiar con su parte más sombría. El arte contemporáneo está apareciendo en muchas formas y es muy pronto para juzgar, pero personalmente me siento a gusto con todas las nuevas formas de arte: performances, instalaciones, arte terrestre, video arte… siempre y cuando ellas expresen una genuina búsqueda artística y no una propuesta de negocio.

Más allá de que en tus pinturas quieras trasmitir una lucha entre lo inconsciente y lo consciente, parte de tu propio inconsciente debe estar escondido en tus obras. ¿Pensás cada tanto respecto de esto?  ¿Podrías reconocer esas partes oscuras, silenciosas pero latentes de tu propia persona representadas en tus pinturas?

Desde ya que reflexiono muchísimo sobre eso. Mis pinturas me están ayudando a definirme más a mí mismo, poder ir más profundamente dentro de mi propia personalidad, definirme como un ser humano, porque en ellas mi propia experiencia confronta con la experiencia gráfica, la experiencia simbólica de la humanidad desde el principio. La expresión de lo que se encuentra escondido a nosotros mismos juega un papel clave en mi trabajo, incluso si parte de esto solo emerge cuando otros pueden verlo mejor que yo. La oscuridad, los miedos, los interrogantes, el llanto del primer hombre, la angustia, se encuentran todos ahí para ser enfrentadas y expresadas, con el objetivo, al ser compartidas, no de que se amansen o domen, pero sí que se reconozcan. A este respecto, mi trabajo tiene un aspecto muy espiritual, el cual algunos, por varias razones, lo llaman el aspecto terapéutico. Dicho esto, no creo que debamos enfocarnos en la lucha o tensión entre la parte inconsciente y la consciente de nosotros mismos, pero, al menos, tratar de hacerlas co-operar entre ellas; ahora, ¿cómo logramos esto? Sabemos que la parte más indomable y al mismo tiempo la más sabia de estos dos puntos es, probablemente, el inconsciente, sosteniendo al edificio juntos, como una fundación. Por lo tanto, no tenemos que temer de enfrentarnos a este lugar oscuro, sino mirarlo, reconocerlo como parte de lo que somos, de la misma forma que muchos tipos de universos co-existen en esta Tierra y co-operan en paz. Muchas personas ven las partes oscuras en mi pintura y las rechazan porque sólo quieren ver la superficie del espejo, pero no «el otro lado»; sin embargo, este otro lado los persigue, los guía y se manifiesta en formas que lucharán para comprender. Podemos ver qué tipo de lucha está en juego, se trata del reconocimiento del «Otro»… El Gran Otro, supongo que dirías.

¿Cómo pensás que debe ser la interacción y conexión entre el artista y el espectador?

Más allá de que nunca tenga al espectador en mente cuando realizo una pintura, el espectador simple y fundamentalmente hace que esa pintura exista. La confrontación de universos, puntos de vista, perspectivas, son una pieza esencial para la forma en que cualquier obra de arte funciona.

Cuando las personas miran una obra de arte, ellos primero deberían dejar que ella les hable, silenciosamente y luego darle tiempo, examinar los sentimientos inducidos: miedos, rechazos, o el temor reverencial y calmante vigor, lo que sea que te haga sentir, siempre estarás en lo cierto, porque la pintura puede ser vista como una mandala, un pretexto para orientarte y dar base a la búsqueda de lo que somos. El concepto de la «búsqueda» o «indagación» es, para mí, una de las cosas más importantes para un artista, y el espectador debería entender que está invitado a compartir la aventura. Este es el primer aspecto que debe ser aplicado a cualquier poderosa obra de arte. Pero luego, uno querrá ir más allá y examinar el mensaje que está implicado, si es que hay algún mensaje; pero lo más importante debería ser que uno nunca se considere a sí mismo menos capaz que cualquier otra persona para poder apreciar una obra. Uno debe nutrir el gusto en el arte mirando más y más arte y todo se acomodará en su lugar gradualmente. Sólo en este sentido uno puede tener una verdadera relación con la obra.

En mi experiencia, he desarrollado también la práctica de la pintura en tiempo real frente a un público, siendo a través de la web o cara a cara, y me entusiasmaba porque esto podía ayudar realmente a los espectadores, novicios y expertos, para poder comprender mejor el proceso creativo. Para muchos artistas, este proceso debería permanecer en secreto, escondido a las masas, pero yo creo que muy básicamente, independientemente de las repercusiones en una perspectiva más amplia, un artista es en primer lugar un artesano, y como tal, un miembro de la comunidad, al igual que cualquier otro.

¿Qué representan las polaridades y los opuestos en tu obra? Por ejemplo, la luz y la oscuridad, lo individual y lo social, el pasado y el presente.

Bueno, lo más importante es que las polaridades claramente coexisten dentro de mi obra y no son realmente presentadas como fuerzas opuestas sino cooperativas.

Uno no debe ser una sola persona de una vez y para siempre, somos mucho más complejos que eso. Somos muchas personas, todas juntas al mismo tiempo; somos gloriosos y débiles, entrañables y despreciables, vergonzosos y orgullosos, y todos los aspectos de estos rasgos aparecen en mi trabajo.

Sé que hay una tendencia a sobresimplificar, que es tomada por la necesidad de vulgarizar. Esta también es la razón por la cual mi trabajo funciona en marcados contrastes de color. Pero también me gusta mostrar la forma en que las personas tratan de hacer que otras personas crean esto, cuando saben bastante bien a qué atenerse. Qué opciones claras hacen, cuando deberían conocer mejor y mirar hacia adentro para descubrir un mundo de polaridades.

¿Qué pensás respecto del pasado histórico? ¿Cómo simbolizas este pasado a través de tu arte?

El pasado histórico, entendido como el despliegue de la historia humana, está vivo en mi trabajo, principalmente debido a la forma en que yo veo a la humanidad. Las personas tenemos una tendencia a repetir errores. En la medida en que les gusta repetir las acciones que llevarán a su satisfacción, la rutina repetitiva que se le ha asignado al hombre moderno nos está convirtiendo lentamente a todos en una pantomima de robots frustrados. Hemos tenido tantos sueños respecto de la tecnología salvándonos de la esclavitud que no podemos realmente entender como ha ocurrido lo contrario. Nunca nos hemos sentido más esclavizados a un maestro invisible.

Aquí es donde ser conscientes respecto de nuestro pasado histórico entra en acción, porque lo que les está ocurriendo a nuestras geniales civilizaciones actuales ha sucedido anteriormente. El tumulto de la gente pidiendo por justicia es un viejo sonido familiar. Esos escenarios de poderes que se enfrentan a otros poderes son el núcleo de mi trabajo. La repetición de las estrategias de dominación, la manipulación de las masas y las desilusiones están siempre presentes.

También me gusta representar el pasado a partir de las técnicas de pintura por sí mismas, a partir de usar materiales atemporales; por ejemplo, disfruto de perpetuar la alquimia de colores y los pigmentos molidos.

La forma en que los personajes aparecen en la escena, la forma en que están vestidos, no corresponde a ninguna era histórica en particular. Hay reyes y reinas, personas en túnicas, mientras otros no pertenecen claramente a este mundo.

Me gusta sugerir una atmósfera mágica, dando la impresión de un Pasado que nunca pasó, fuera del ámbito de los mitos, cuentos y leyendas.

Veo al pasado histórico, propiamente dicho, como un movimiento global y lento y una transformación de las civilizaciones: sistemas muy lentos, en aumento, en caída, que interactúan. Todos los principales temas simbólicos y humanos ya han sido explorados por los egipcios, los babilonios, los griegos, los chinos, la civilización maya. Nosotros sólo redescubrimos regularmente los fundamentos, en ciclos.

En medio de las polaridades y los puntos extremos representados en tu obra, está lo más interesante de tu arte. ¿A qué te referís cuando decís que en medio de los opuestos habitan muchos «mundos posibles»?

Cuando mirás lo que es un universo, el todo vuelto uno —un ensamblaje de diferentes elementos en búsqueda de la cohesión— es interesante ver cómo los personajes que van y vienen dentro de mis pinturas aparecen y desaparecen. Son reconocibles desde una composición a la siguiente, sin embargo, son siempre ligeramente diferentes. Esto es debido a que viven dentro de mi psiquis y evolucionan hasta convertirse en un universo cada vez que se manifiestan. Ellos son los protagonistas de un sueño, cada vez uno distinto.

Todo sueño es un nuevo universo potencial, un nuevo foco para la imaginación y un llamado a la acción en nuestras vidas reales. Muchas veces, la posibilidad de imaginar realidades alternas se pasa por alto, pero reconozco que es la base del progreso humano…ser capaces de jugar el juego de «¿Qué tal si…?».

También me gustaría especificar que, si bien las ideas y conceptos son importantes, hay una parte importante de juego, aventura y placer envuelta en el interior del proceso artístico, un aspecto vivificante que nunca debería ser sobreestimado.

Una vez dijiste que no eras un artista ni de aquí, ni de allá, sino un artista del Universo. ¿Qué querés significar con eso?

Yo nací en Francia, pero cuando mirás mi obra, no parece demasiado obvio. Podría ser de cualquier lugar y seguir pintando lo mismo, por lo tanto, no me siento atado a ninguna zona geográfica específica. El mundo es vasto y si uno añade los territorios de la imaginación, es mucho más vasto aún.

Reconozco muy pragmático que muchos artistas sienten lo mismo, y al unir fuerzas podrían crear una voz colectiva que no pertenezca a una sola cultura, idioma o zona. Cuando empecé colaborando con «Cultura Cruda», en su reciente exposición colectiva itinerante con cuarenta y un artistas provenientes de doce países diferentes, me resultó claro que todas las fronteras eran ideas muy materialistas y bastante innecesarias para el arte. Nuestro grupo forma un todo y se manifiesta a sí mismo como uno, que es precisamente la definición de un Universo.

Jeff, ¿cómo sería tu Manifiesto Artístico?

El más reciente de los manifiestos artísticos oficiales que he escrito es este:

La Vida es un Sueño y el Arte hace que se vuelva una Realidad.

El Arte es un Vehículo para la evolución Humana, actúa como una puerta entre lo que fue y lo que puede llegar a ser, trayendo los temores ancestrales y las conquistas a las mentes de la era digital.

Mis pinturas son las piezas interconectadas de un poema, tejidas dentro de la trama de nuestra experiencia humana. Ellas nos cuentan el cuento de quiénes somos.

Creo en el resultado de una profunda comprensión intuitiva. Nuestros sueños saldrán con vida.

Tenemos que vivir en un mundo caótico, donde podemos crecer en armonía.

Mi pintura muestra que la Armonía pre-existe en el Caos.

 

Nacido en Francia en 1969, ha vendido cuadros y trabajos a coleccionistas en Francia, Suiza, Los Países Bajos, el Reino Unido, Estados Unidos, Noruega, Canada, Italia, etc. Su trabajo es parte del Museo de Toda Colección de Londres y de la colección del Museo Davis, en Barcelona. Sus pinturas fueron recientemente exhibidas en la Galería Brick Lane (Londres, 2010), en el Festival de Arte de Cannes de Palm Beach (Cannes, 2010) y en el Tate Modern (Londres, 2010) como parte del Museo de Toda Colección, en el Museo de la Halle St. Pierre (Paris, 2010), en la Galería Vox (Halden, Noruega 2010) y el la Universidad de Nancy (Nancy, Francia 2010).

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Enlaces de interés:

Sitio web de Jeff Roland: www.jeffroland.org

Sitio web de Uncooked Culture Collective: www.uncookedculture.com

Video de sus últimos trabajos: http://youtu.be/kXRn-zWWyz0

Video con detalles de su trabajo, mostrando los personajes de sus pinturas:  http://youtu.be/7gqXY3uzKSE